Con la magia del bosque

MOSSO Life

En esta oportunidad nuestra fuente de inspiración han sido los dos extremos del paisaje chileno. El primero que nos vino a la mente fue el mundo volcánico telúrico, con la energía que surge desde el centro de La Tierra. La fuente misma de la riqueza mineral en la cual se fundamenta el oficio del joyero. Asimismo, pensamos como desde esta tierra metálica germina el bosque nativo chileno, cuyo resguardo se vincula con un futuro de extraordinarias condiciones. Más allá, honramos a la madre tierra, así como a la mujer, que es su representación humana.

In this opportunity, our source of inspiration has been the extremes of Chilean landscape. The first one which came to our mind was the volcanic and telluric world, the energy which surges from the center of the Earth. The same source of mineral richness that jeweler’s trade is inspired from. By the same token, we think how from the same metallic earth, germinates Chilean native forest, who´s conservation is lingered to a future of extraordinary conditions. Furthermore, we gave tribute to mother earth, as much as women, which is its human representation.

Para nosotros todo esto define lo que es este territorio en el confín del mundo. Y, en una acción inédita, hemos querido expresarlo a través del arte, mediante una colaboración gráfica con el artista visual Alexander Sutulov, de quien presentamos en portada parte de su obra Tierra Volcánica, de la Serie Los Andes: columna vertebral de América. Próximas ediciones serán la continuación de esta iniciativa, al destacar en ese espacio a otros virtuosos del arte chileno.

For us, all of these define what this territory is in the world’s confinement. And in an unprecedented action, we have wanted to express it through art, through a graphic collaboration with visual artist Alexander Sutulov, from whom we present in our cover page part of his work Tierra Volcanica, from his Series The Andes: vertical column of America. Next editions will be the continuation of this initiative highlighting in this same space other Chilean art virtuosos.    

Los invitamos, entonces, una vez más, hacerse partícipe de las nuevas conciencias que deparan un futuro no muy lejano, a través de artículos y reportajes que nos hablan de conservación e identidad. En esa línea, Mosso sigue manifestando esta pasión de expresar su estética por medio de los elementos que más nos representan. M

Ernesto Mosso

So once again we invite you, to become participant of the new consciousness which will provide in a not so far future, through articles and interviews which speak to us about conservation and identity. In this line of thought, Mosso continues to manifest its passion to express its aesthetics through the elements which most represent us. M

Ernesto Mosso

Con la magia del bosque

La propuesta del artista Alexander Sutulov cautiva por esa capacidad única de fundir el espíritude la naturaleza con técnicas tradicionales y digitales, hasta obtener sublimes obras que buscan envolver y ser escenario de quienes las observan.

With the forest’s magic

Artist Alexander Sutulov proposal captivates for his unique capability to merge natures spirit with traditional techniques, as much as digital ones; to the point of achieving sublime works of art which pursue to embrace in such a way they become the observer’s scenery.

Compleja, cautivante, fenomenal. Así es su obra y, en cierto nivel, también su personalidad. De origen penquista, el artista visual Alexander Sutulov tiene una larga y exitosa trayectoria, marcada por la integración de variadas técnicas en gran formato y una constante innovación.

En sus comienzos sus proyectos artísticos estaban vinculados al dibujo, la pintura, la escultura y el grabado, pero en los años noventa tuvo la oportunidad de experimentar con soportes computacionales que le dieron un importante giro a su obra... Así es como en 1995 hizo su primer mural digital en los talleres de Folio-D en San Diego, California.

Complex, captivating, phenomenal is what defines his artwork and up to a certain degree, his own personality. Native from Concepción, the artist has a long and successful trajectory, earmarked by varied techniques for large format work, together with a constant sense for innovation.

In the beginning his projects were lingered to drawing, painting, sculpture and printmaking, but in the nineties he had the opportunity to experiment with digital media which gave an important turn to his artistic carrier...  This is how he made his first digital mural in 1995 at Folio-D studios in San Diego, California.

Al respecto, comenta: “Mi trabajo gráfico en tono continuo (litografía, intaglio, xilografía, monotipo, serigrafía, etc.) asociado a imágenes de segunda generación, como también en el contexto de grabados con técnicas gráficas mixtas, se vinculaban de manera natural con el arte digital. Es decir, lo anterior viene a ser la antesala del soporte digital”.

Por ejemplo, Sutulov ha estado dedicado en hacer registros fotográficos múltiples de árboles, a partir de los cuales crea una planimetría topográfica que utiliza como matriz vectorial para llevar a cabo dibujos con distintas técnicas. Ellos constituyen el “tejido” de sus célebres murales, ya que los digitaliza y trata plásticamente creando obras con distintas capas. “Les doy una coloración y va tejiéndose, uniéndose y adoptando una nueva riqueza. Es como trabajar un telar. Algunas de mis imágenes tienen más de doscientas capas de información... Son niveles mucho más complejos. La maravilla es que con métodos más convencionales sería imposible lograrlo”.

To the fact he states: “My continuous tone graphic work (Woodcut, Intaglio, Lithography, Monotype, Silkscreen, etc.) associated to second generation images, likewise my work in the context of mixed media printmaking, was all naturally bounded to digital art. In other words, the above became the prelude of digital substrate”.

For example, Sutulov is implementing digital photography multiple exposures of trees in order to create a vectorial topographic mapping utilized as a template for mixed media drawings. They constitute the fabric of his renowned murals; from the moment he scans his drawings in order to articulate them in different layers. “I give coloration to a weaving process, becoming unified, adopting a new form of richness. It’s like working with a weaving loom. Some of my images have more than two hundred layers of information… They are at a much more complex level. The wonder is that with more conventional methods, it would be impossible to achieve”.      

De esta manera, lo que hace principalmente es producir obras digitales en la forma de murales para espacios institucionales y corporativos. “Los espacios a los cuales yo apelo son verdaderamente los clásicos. Las grandes obras de arte, al menos las más significativas desde un punto de vista histórico, están precisamente en espacios públicos porque hablan sobre la urbe y sus protagonistas. Imaginarse el mural de Rivera emplazado en el zócalo, en una galería de arte, sería un contrasentido, destruiría toda su magia y propósito”, opina.

In this manner, what he basically achieves is the production of digital works in the form of murals for institutional and corporate spaces. “The spaces which I consider appealing and suitable are truly classical. Large works of art, at least the most significant ones from a historical point of view, are precisely in public spaces because they speak about urbanity and its protagonist. To imagine Rivera’s mural emplaced at the Zocalo, in an art gallery, would be a contradiction, it would destroy all of its magic and purpose of being”.

¿Y por qué murales y no otro formato?

“El muralismo tiene su génesis en cómo el ser humano necesita recrear su mundo imaginario de manera excelsa y decisiva. Digo decisivo, porque cuando un mural está concebido desde la perspectiva de un elemento de arquitectura de interior, así como los frescos del arte italiano o las pinturas fúnebres al interior de templos mayas, el mensaje que es capaz de transmitir al espectador es gravitante.

Lamentablemente, en nuestra cultura contemporánea estamos al déficit, porque privilegiamos la inmediatez de la multimedia. Lo anterior no tiene nada malo, pero también el público necesita de un silencio y de una quietud para incorporar aquello que va más allá de lo inmediato. Las técnicas digitales que aplico hoy en día, me permiten indagar de manera más plena mis objetivos, donde el aspecto descriptivo de la forma es más complejo y profundo”.

Why murals and not some other format?

“Murals have its genesis in how human beings need to recreate an imaginary world in a sublime and decisive manner. Decisive, because when a mural is conceived from the perspective of an interior architectural element, such as Italian Art frescos or funerary paintings at the interior of a Mayan temple, the message which is capable of transmitting to its spectator, is gravitating.

Unfortunately, in our contemporary culture we are at a deficit, because we privilege the immediacy of multimedia. There is nothing wrong with it, but the public also needs a silence and a stillness to incorporate that which is beyond the immediate. Digital techniques which I apply nowadays, allow me to decipher my objectives in a more plentiful fashion, where the descriptive aspect of form is more complex and profound.”     

¿En qué estás trabajando actualmente y cuáles son tus próximos desafíos?

“Actualmente estoy trabajando en dos áreas que considero altamente significativas. Lo primero es en el plano de la educación, con un mural proyectado para el nuevo colegio Santiago College en La Dehesa. Lo otro es en el plano de la salud, con una serie de murales proyectada para la nueva clínica de la Universidad de Los Andes.

Mi próximo desafío es hacer del espacio comercial una propuesta que concierne un contenido plástico. Que el transeúnte se vincule de manera directa sobre el propósito ulterior del espacio comercial en cómo aprender a vivir la vida con un sentido estético”.

What are you currently working on and what are your next challenges?

“Today I am working in two areas which I consider highly significant. Firstly, in the field of education, with a mural project for the new La Dehesa, Santiago College School. The other is in the health sector, where a series of murals are being projected at the University of Los Andes new medical center.

My next challenge is to make out of commercial spaces, a proposal concerning artistic content.  That the pedestrian becomes directly involved with the ultimate purpose of a commercial space, this is to live life with a sense of aesthetics”.     

Sentido de pertenencia

Durante el último tiempo, Sutulov ha estado trabajando intensamente en la temática del bosque nativo chileno. Su importancia, dice, “radica precisamente en la singularidad de nuestro paisaje. Podemos respirar y sentir el clima privilegiado y con ello, gozar de experiencias excepcionales en sus distintas latitudes. Tenemos lagos y ríos cristalinos acompañados de una vegetación exuberante, pero no asfixiante como la denominada selva fría, lo que es casi un milagro de la naturaleza”.

En esa línea está realizando un levantamiento de árboles en el sur, con más de trescientos registros fotográficos por cada uno; “una especie de resurrección de cada especie desde un punto de vista plástico”, dice. “Las tomas múltiples, graduando distancia focal y tiempo de exposición, permiten explorar aspectos subjetivos de cada especie”.

Sense of belonging

Lately Sutulov has been intensively working in the theme of Chilean Native Forest. Its importance, he states, “radicates precisely in the singularity of our landscape. We can breathe and feel a privileged climate and altogether, enjoy exceptional experiences from its different latitudes. We have crystal clear lakes and rivers accompanied by exuberant vegetation, but not asphyxiating like the renowned cold jungle, something which is almost a miracle of nature”.     

In this line of work he is creating a tree prospect in the south, with more than 300 frames for each one; “from a morphological point of view, a resurrection of sorts for each species”, he affirms. “Multiple exposures, graduating focal length and shutter speed, allow exploring subjective aspects relative to each species”.

Has trabajado con las más diversas temáticas, ¿qué es lo que te tiene cautivado?

“Hoy día me motiva la emoción y desafío que produce el nuevo mundo que se nos viene encima. A grosso modo es un mundo que apela a la no destrucción de nuestro hábitat en todo el sentido de su palabra. Esto va desde nuestra dimensión humana y todo lo que ello representa, hasta el entorno natural del cual dependemos de manera intrínseca.

Si bien hemos evidenciado la homologación de la civilización por medio de la revolución industrial y la era tecnológica, particularmente cuando pensamos lo que ha sido el desarrollo de las comunicaciones, hoy día me preocupa más la singularización y diferencias de esas experiencias. Por ejemplo, el destino de Chile ya no en el contexto de Sudamérica o Latinoamérica, sino más bien, el rol preponderante que adoptará en el ámbito de la economía medioambiental a nivel mundial. En este sentido, trabajo con aquellos elementos que nuestro país ofrece de manera única, como puede ser el bosque nativo; nuestro recurso hídrico y su relación con el océano Pacífico; y, desde luego, la gran cordillera que nos cobija en el contexto de una cultura volcánica de diversas riquezas, como son la energía geotérmica y su condición de riqueza mineral excepcional”.

You have worked with the most varied themes, what makes you captivated?

“Today what motivates me is the emotion and challenge which produces the new world we are facing. All around it’s a world addressing the no destruction of our habitat in the widest sense of the word. This goes anywhere from our own human dimension and everything it represents, all the way to our natural surrounding from which we intrinsically depend from.

If so far we have witnessed the homologation of civilization through the Industrial Revolution and our Technological Era, especially when we think what has been the outburst of communications, today I am more concerned about the singularities and differences of those experiences. For example, the destiny of Chile not anymore in the context of a South American or Latin-American country, but more in the lines, of its preponderant role which it will acquire in the field of environmental economy at a global level. In this respect, I work with those elements which the country has to offer in a unique way, like the native forest, our water resources and its relationship to the Pacific Ocean; and by all means, the great cordillera which embraces us within the context of a volcanic culture with its ample and varied richness, such as geothermic energy and its exceptional condition of mineral resources”.      

¿Qué buscas expresar en esta colección y cómo logras trasmitir al espectador las sensaciones que te generan estos árboles?

“Es una especie de escenografía teatral en que, a diferencia de una escenografía convencional, el espectador puede acercarse y descubrir un mundo de detalles.

El ejercicio de avanzar y retroceder en torno a una imagen para mí es muy importante porque permite establecer una intimidad, por así decirlo, que en lo habitual es inexistente, quedándose solamente con la superficie o lo cosmético. La experiencia debe ser plena, especialmente en el tiempo, cuando el espectador tiene oportunidad de volver una y otra vez a compenetrarse con esa expresión. Desde ahí mi interés en el arte público y el muralismo.

Los árboles son estructuras poliformes donde la luz, el aire, el agua, la tierra, la flora circundante se afectan de manera recíproca. Esta reciprocidad es lo que me interesa plasmar; el diálogo permanente entre la multiplicidad de espacios que define el árbol. En el caso de un árbol nativo, este fenómeno se da de manera excelsa, porque hay una riqueza propia del lugar que le dio vida, son árboles de esta tierra y por ello son como son. De esa belleza es de la cual quiero hablar”. M

What do you mean to express in this collection and how do you achieve in the eye of the beholder, to convey the sensations that these trees provoke in you?

“It’s a theatrical scene of sorts, where different from a conventional setting, the public can come closer and discover a world of details.

The exercise of moving forward or backwards in relation to an image is very important to me because it allows to establish a level of intimacy, in a figure of speech, which habitually is none existing, remaining only what is superficial or cosmetic. The experience must be complete, especially in time, when the viewer has the possibility to return over and over again to reengage and compenetrate with that expression. From there on, is my interest for public art and mural installations.

Trees are multiple form structures where light, air, water, earth, and surrounding flora are being affected reciprocally. This reciprocity is what interests me to express or give form; the permanent dialogue amongst divergent spaces which define the tree. In the case of a native tree, this phenomena gives its way sublimely, because there is a proper richness to the place which saw its birth, they are trees of this land, reason why they are the way they are. That beauty is the one I wish to speak of”. M     

Libro de Artista 2012 :: Artist Book 2012

Cuartilla 01

Artista Alexander Sutulov / Cuartilla 02

Cuando le pregunto a un cliente si tiene una obra:

¿Cómo se da cuenta que es verdaderamente una obra de arte?

Las respuestas son de las más variadas, en parte porque se sienten identificados con lo que ésta transmite de manera magistral, como el colorido de un paisaje. También existen las posturas más pragmáticas, donde entienden la plusvalía como un reflejo del  valor intrínseco de ella asociado a un valor genuinamente artístico, más allá del gusto personal.  

Todas las respuestas son válidas, particularmente cuando se trata de percepciones personales que establecen empatías con una expresión plástica que va creciendo y enriqueciéndose con el tiempo. Sin embargo, mi respuesta es que hay algo que está por encima de lo anterior, que se relaciona con la trascendencia de una obra. Es decir, cuando aquella manifestación artística en la forma de una pintura, escultura o grabado se apropia de un espacio, y el espectador después de incorporar esa experiencia; nunca más vuelve a ser la misma persona...

Algunos quedan perplejos ante mi afirmación y preguntan ¿por qué? A lo cual les respondo que lo usual o praxis común es el hábito de observar una obra y apreciar sus aspectos formales en función de una objetividad, pero cuando una auténtica obra de arte trasciende en el espectador, es porque su mensaje va más allá de lo formal.

¡Entonces es el momento en que la obra lo empieza a mirar a uno!


When I ask a client if they have a work of art:

How do they realize it’s an actual artwork?

Answers can be of the most varied, in part because they identified with what the work transmits masterfully, like the color of a landscape. You will also discover more pragmatic approaches which are understood as the works added value being the reflection of an intrinsic value associated to genuine artistic value beyond personal taste.

All answers are valid, particularly when it comes to personal perceptions which establish empathy in time with a growing and enriching artistic expression. Nevertheless, my answer is that there is something beyond the above which relates with the artwork transcendence. In other words, when an artistic manifestation in the form of a painting, sculpture or print appropriates a space and the spectator incorporates such experience, never again that person will be the same one before…

Perplex to my observation, their immediate reply is why? Something to which I respond that the usual praxis is the habit of observing artworks is through the appreciation of its formal elements in line of its objectivity, but when an authentic work of art transcends within the spectator, it’s because its message is beyond formality.

Thus, it’s the moment when a work of art begins to observe back at you!        

Pintura Digital / Cuartilla 03

Entendiendo la pintura en su valor genérico como un “dibujo coloreado”, la pintura digital a diferencia de la pintura tradicional, se caracteriza en dos aspectos singulares que además se potencian entre sí. La primera se vincula con la noción de un método indirecto donde la superposición de capas permite establecer relaciones aditivas y substractivas en los distintos valores tanto tonales como cromáticos. En segundo término, observamos que las relaciones aleatorias a partir de la interacción de capas, permite concebir el uso de imagen de segunda generación. Esta fusión entre la obra pictórica como método indirecto y la obra gráfica como imagen de segunda generación, abre un nuevo campo de exploración plástica que ha ido tomando forma en las últimas décadas de manera inusitadamente versátil y de desarrollo exponencial.

Las imágenes que observamos en la parte superior corresponden a una metodología básica en cómo empezar a entender los fundamentos de la pintura digital como proceso constructivo. En su fase inicial, el artista ha creado una serie de dibujos que han sido confeccionados con técnica mixta sobre películas de policarbonato especialmente formuladas para el uso de materiales diversos tales como el grafito, carboncillo, tinta china, tinta Tusche, crayola litográfica y todo tipo de pigmento que responde a las distintas cualidades higroscópicas inherentes a la granulación del sustrato mencionado.

Las imágenes monocromáticas o dibujos originales que aparecen en la parte superior se dividen en dos géneros. Las primeras dos columnas son aplicaciones de aguadas donde la viscosidad del vehículo permite reticular el pigmento suspendido en distintos patrones. Desde las antiguas tradiciones de la litografía de tono continuo, el Tusche, pigmento de alta densidad, ha sido el sello de muchos artistas en cómo lograr distintas texturas o cualidades tectónicas. Es así como observamos la diferencia que se produce entre una aguada a la piroxilina y una aguada en base a trementina con aplicaciones de alcohol. En la segunda mitad observamos un dibujo con carboncillo donde se implementó primordialmente una técnica substractiva. Por último, un dibujo con crayola litográfica donde las distintas densidades se obtienen con graduaciones de viscosidad en las crayolas en una escala de 1-7, siendo el 1 más blando y graso y el 7 más duro menos graso.

En la parte superior observamos los mismos dibujos llevados a un soporte electrónico para lo cual fueron previamente digitalizados en alta resolución. Cada dibujo fue convertido en escala de grises y posteriormente a una modalidad de quadtone o escala de 4 canales cromáticos. Al momento de trabajar con una paleta de millones de colores, las posibilidades son infinitas. A modo de simplificar su coloración, el artista divide los 4 valores en relación a una escala tonal en el siguiente orden: sombras, medios tonos bajos, medios tonos altos y luces. A cada una de ellas por efecto de curvatura se le asigna un valor cromático que a la vez tiene un valor tonal. En esta primera fase de coloración digital, las decisiones del artistas son condicionadas en cierta medida por las relaciones aditivas y substractivas que se efectuaran posteriormente.

En la imagen final a la derecha que se denomina: “B.A.T.” o del francés: “bon à tirer” jerga utilizada en la gráfica que se entiende como prueba de color efectiva, ejemplifica que sucede al momento de superponer los 4 dibujos en su modalidad de quadtones o cuatritonos. Desde luego, los niveles de interacción por capas son múltiples y sus relaciones aleatorias presentan el verdadero potencial creativo que subyace en la utilización de imágenes de segunda generación.

Understanding the generic definition of painting as a coloured drawing, digital painting in contrast to all form of traditional painting can be characterized in two singular aspects. The first one, taken from the model of indirect method, establishes a particular process of additive and subtractive relationships through the superimposition and interaction of multiple layers subject not only to the phenomena of reflected light, such is the case of traditional veil painting, but also projected light. On the other hand, the aleatoric nature of digital process involves by definition, the use of second generation image. This fusion of a pictorial work through a concept of indirect method and graphic work through the use of second generation images opens a new field of visual exploration where its versatility has predetermined in the last decades, a creative pool of exponential growth.

The images above illustrate a basic methodology of how to begin understanding the fundamentals of digital painting as an image building process. In its initial phase, the artist has created a series of mixed media drawings on polycarbonate film specially formulated to be receptive to a wide range of drawing materials such as: graphite, charcoal, prisma color, rubbing ink, India ink, Tusche ink, litho crayon and any form of pigment and vehicle which reacts to the hydroscopic qualities inherent to the granulation of the mentioned substrate.    
The monochromatic images or original drawings on the top left have been divided in two genres. The first two columns are washes where depending on the viscosity of its vehicle, the pigment will reticulate in different patterns. From the old traditions of continuous tone lithography, Tusche ink (high density pigment ink) has been the trademark of many artists in how to achieve various forms of textures and tectonic qualities. The same way we can observe above, the difference between a lacquer thinner wash and turpentine wash with alcohol applications. In contrast, the right hand columns exemplify subtractive techniques with charcoal drawing and #1-#7calibrated litho crayon halftone drawing.

In the lower portion, we observe the same drawings which have been digitalized in quadtone modality where the artist assigns to each channel a specific chromatic and tonal value. Understanding the nature of digital work with millions of colours the possibilities are infinite. In order to schematize the process, the artist divides tonal scale in four areas, shadows or low tones, lower halftones, higher halftones and highlights. By curvature effect each tonal area of the image is assigned to a specific value. In this preliminary stage of digital colorations, the artist’s decisions are somehow predetermined by the additive and subtractive relationships which will take place later on.
 

The final image on the right hand side or B.A.T., abbreviation taken from the French expression: “bon-à-tirer” meaning: “right to print” is an example when all four drawings have been superimposed and interacted by layers. The multiple relationships of layer interaction which can be established in addition to the use of mask, filters and tonal modulation constitutes the true potential creativity inherent to the use of second generation images. 

Energía GASCO / Cuartilla 04

Escultura Energía GASCO / Santiago, Chile 2000:

Producto de la remodelación del edificio corporativo GASCO ubicado en calle Santo Domingo Nº1061 durante el año 1999 a cargo de las oficinas Izquierdo Lehmann Arquitectos, la presidencia de dicha empresa, comisionó una escultura que fuese alusiva a la energía que produce el hombre para su subsistencia.

La base de piedra es la energía contenida en la tierra, las piernas de acero es la intervención del hombre y la esfera es la energía pura.

GASCO Energy Sculpture / Santiago, Chile 2000:

In virtue of GASCO corporate building remodeling located at Santo Domingo Street Nº 1061 at the hands of Izquierdo Lehmann Architects back in 1999, the company’s board commissioned a sculpture allusive to the energy by man in his quest to survival.

The river stone bed is a metaphor to the energy contained by Earth’s natural resources, the steel legs are man’s intervention and the marble sphere represents pure energy.
 

Territoria 3000 / Cuartilla 05

Proyeto Cultural TERRITORIA 3000 / Santiago, Chile 2006:

En virtud de nuevos centros de negocios ideados para Santiago como futura capital financiera  en Latinoamérica, la inmobiliaria Territoria comisionó un anteproyecto que contemplase el impacto cultural en torno a las inmediaciones de su edificio proyectado frente la Plaza Perú,  Territoria 3.000.

El anteproyecto planteaba 8 murales emplazados en el atrio y 8 esculturas emplazadas en el frontis y patio inglés oriente del edificio.

TERRITORIA 3000 Cultural Project / Santiago, Chile 2006:

In virtue of new business centers realized for Santiago as a future financial capital in Latin America, Territoria real-estate commissioned project proposal which contemplated the buildings cultural impact amongst its neighboring edifications projected in front of Peru Square, known as Territoria 3.000.

The project proposal contemplated 8 double sided free hanging murals where each module was 9.60 mt in height and 4.80 mt across. Outside the building’s perimeter, 8 sculptures were projected with 4 in the buildings front façade and 4 totemic figures in its east side courtyard.

Chile Tierra de la Frontera / Cuartilla 06

Chile Tierra de la Frontera / Museo Philippi / Valdivia, Chile 2008:

Las obras que forman parte de la colección del Museo Philippi corresponden a estudios morfológicos del paisaje chileno que se titulan “Chile Tierra de la Frontera”. El interés específico del artista era exhibir en un museo de historia natural a nivel regional como una instancia de difusión que promueve  e identifica el país.

Chile Borderland / Philippi Museum / Valdivia, Chile 2008

The works which are part of the Museum Philippi collection correspond to morphological studies of Chilean landscape titled “Chile Borderland”. The specific artist interest to exhibit at a regional natural history museum was the possibility of creating an event to promote and amplify the country’s identity.

Spirits of the Mind / Santiago College One & Only / Cuartilla 07

Mural Spirits of the Mind / Santiago College / Santiago, Chile 2012:

Con el traslado del colegio Santiago College al nuevo campus Los Trapenses, se hizo imperativo la creación de una obra alegórica que pudiese cautivar el alma mater del colegio primitivo. Para ello se ideó un gran mural para ser emplazado en el futuro Dining Hall. La propuesta iconográfica se basó en un levantamiento del antiguo campus Lota junto con un estudio morfológico del paisaje que rodea el nuevo colegio en el valle de La Dehesa, cuya fisonomía más distintiva es el Cerro Manquehue.

Lo anterior se vincula con la proyección que hizo el arquitecto Guillermo Rosende donde la forma y orientación de más de 10 edificios que constituye el nuevo campus, guarda relación con el paisaje circundante.     

Spirits of the Mind Mural / Santiago College / Santiago, Chile 2012:

With the moving of Santiago College School to its new campus at Los Trapenses, it became imperative the creation of an allegoric artwork capable of captivating the alma mater of the original school campus. For these purpose a large scale mural was thought-out to be installed at the new Dining Hall. The iconographic proposal was based on an architectural survey of the old campus combined with a landscape morphological study of the new campus location at La Dehesa Valley whose distinctive landmark is the Manquehue Hill.
 

The above is closely related to Guillermo Rosende’s master plan, the school design architect where the orientation and shape of more than 10 buildings which constitute the new campus, are in relation and proportion to the surrounding landscape.

Mural Historia de la Minería Chilena / Cuartilla 08

Proyecto Mural Historia de la Minería Chilena / Concepción, Chile 2005:

En conmemoración al Bicentenario de la Gran Minería en Chile (1905-2005), se inaugura el mural en el nuevo edificio de Ingeniería Metalúrgica en la Universidad de Concepción. Proyecto cuyo génesis fue patrocinado y auspiciado por el Ministerio de Minería, División El Teniente CODELCO Chile y la mencionada casa de estudio.

History of Chilean Mining Mural / Concepción, Chile 2005:

In commemoration of Chilean Large Mining Bicentennial (1905 – 2005), the mural was inaugurated at the Metallurgical Engineering new building. Mural project sponsored by Chilean Mining Bureau, CODELCO’s El Teniente Division and the University of Concepción. 

Los Andes: columna vertebral de América / Cuartilla 09

Los Andes: columna vertebral de América / Santiago, Chile 2010

Parte de la labor difusiva que cumple el taller del artista a nivel de arte público, es la creación de proyectos expositivos que permita contextualizar la obra en distintos espacios de acceso al transeúnte urbano.  Lo anterior comprende instalaciones que en el caso particular del proyecto en referencia, se llevo a cabo en colaboración con el artista chileno, Hugo Marín.

The Andes: Vertical Column of America / Santiago, Chile 2010

Part of the artist studio informative work at a public level, is the creation of exhibiting projects which allow contextualizing the artwork within different spaces accessible to the urban pedestrian. The above includes installations which in the case of the work in reference, it was realized with the collaboration of Chilean artist, Hugo Marín.

Diseño Franco Ballotta / Cuartilla 10

Proyecto Diseño Franco Ballotta/ Parque Arauco, Santiago, Chile 1995   

Descubrir sintonía entre diseño de vestuario y su tradición asociado a un pasado histórico fue uno de los desafíos con el diseño de la tienda Franco Ballotta cuya marca distintiva era ropa de vestir masculina italiana. El ícono principal era un mural con la imagen ecuestre de Marco Aurelio y el gobernador romano Pompeyo. Tanto la fachada de la tienda como muebles vitrinas y logo fueron basados en diseños de arquitectura fúnebre romana republicana.   

Franco Ballotta Design Project / Parque Arauco, Santiago, Chile

One of the main challenges with Franco Ballotta men’s store was to discover a unifying element between the design of menswear tradition and a historical past whose distinctive trademark was Italian design clothes. The main icon was a mural with the equestrian portrait of Marcus Aurelius the Roman governor, Pompey. So much the store’s front window, exhibition furniture and store logo were all based on Roman Republican funeral architecture.

San Jorge / Cuartilla 11

Proyecto Mural San Jorge, Edificio Isidora 1999:  

Apología ecuestre cuya imagen central corresponde a San Jorge s. XIII de Novgorod flanqueado por entradas triunfales de Marco Aurelio y estudios anatómicos de Durero. En la parte superior en forma de cornisa, la imagen es coronada por una procesión de caballeros Teutónicos.  Junto con el mural, se diseñó los sillones de directorio en Caoba Boliviana, misma madera que se utilizó en el marco. 

Saint George Mural Project, Isidora Building 1999:

Equestrian apology where central image corresponds to s XIII Novgorod’s Saint George flanked by Marcus Aurelius triumphant entries and Durer anatomical equestrian studies. In the upper section in the form of a continuous frieze, the general composition is crowned by a procession of Teutonic Knights.

Together with the mural, Bolivian Mahogany hardwood board of director’s chair was designed, the same wood utilized for the mural’s framework.   

Casa Irina / Cuartilla 12

Proyecto Mural Casa Irina / Curaumilla, Chile 2008   

El trabajo en colaboración con arquitectos, diseñadores, paisajistas, etc. es un aspecto crucial para concebir obras de gran formato en espacios residenciales o más privados. En el proyecto Casa Irina se trabajó en coordinación con el dueño, el arquitecto Andrés Zauschkevich, donde el entorno morfológico del paisaje de la casa tuvo un rol preponderante en el diseño del mural. La imagen se trabajó en 12 estados distintos, siendo el último, la imagen final del mural.

Casa Irina Mural Project / Curaumilla, Chile 2008

The work in collaboration with architects, designers, landscapers, etc. is a crucial aspect in order to conceive large format work for residential or more private spaces. In the case of Casa Irina, the project was realized in coordination with the owner; architect Andrés Zauschkevich, where the house’s landscape morphological surrounding had an important role in the design of the mural. The image was worked in 12 different stages, being the latter one use as the final image for the mural.

El Golf / Nueva Las Condes / Cuartilla 13

Remodelación oficinas sector El Golf y Nueva Las Condes  

Entendiendo los nuevos estándares de calidad en el sector inmobiliario caracterizado por las edificaciones clase A, el montaje y emplazamiento de obras tiene un valor agregado al momento de implementar diseños exclusivos que se diferencian de enmarcaciones más convencionales. Entre los desafíos, se planteó el montaje de obras sobre papeles libres de vidrio o monolíticos. El objetivo principal era resaltar la superficie aterciopelada propia de un grabado.     

La nueva propuesta para oficinas se llevan a cabo en colaboración con Iván Ojeda de Constructora FIC cuya cartera de clientes se caracteriza por el tipo de oficinas en referencia.    

El Golf & Nueva Las Condes district office remodelling

Understanding the new quality standards in the real state sector characterized by Class A buildings, the mounting and emplacement of artwork have an added value at the moment of implementing exclusive designs different from more conventional framing. Amongst the different challenges, none polycarbonate or glass protection frames were made with large format prints. The main objective was to emphasize the velvety surface inherent to Intaglio.

The new proposal for office space is in coordination with Iván Ojeda from FIC Constructions whose clientele is characterized by the office space in reference.

Ediciones Limitadas / Cuartilla 14

Ediciones Limitadas Atelier Alexander Sutulov   

La obra seriada de menor formato como también, toda obra seriada sobre papel es inherente a una relación más íntima con su iconografía desde el punto de vista del espectador. Su carácter más delicado asociado a los medios tonos de un grabado, hace de la obra gráfica un lenguaje altamente descriptivo.  El taller no solamente pone énfasis en lo anterior, sino además, toda labor curatorial que gira en torno a una obra seriada; esto es desde su documentación como certificados de autenticidad donde se describe su génesis hasta su presentación final con elegantes portafolios rotulados.   

Atelier Alexander Sutulov Limited Editions

Small format serial work together with serial work on paper in general, is subject to a more intimate approach from the spectator’s perspective. The more delicate character associated to printmaking halftones for example, makes graphic work highly descriptive. The artist studio not only emphasizes on the above, but also, all curatorial work regarding edition printing, anywhere from its documentation like the emission of authenticity certificates describing the works genesis all the way to its final presentation with elegant artist design portfolios.

Proyectos Editoriales / Cuartilla 15

Proyectos Editoriales Atelier Alexander Sutulov  

Tomando en cuenta el trabajo gráfico que se realiza en el taller; los proyectos editoriales diseñados por el artista son un complemento donde adicionalmente se desarrolla una labor de investigación iconográfica que habla por ejemplo, sobre la riqueza de los distintos periodos históricos en el mundo del arte. Es así como en el libro sobre el culto al Sagrado Corazón: “Un Manantial de Amor y Misericordia: El Corazón de Cristo”  de la autora María Loreto Marín Estévez, es un compendio de más de 500 páginas a color donde no solamente se rescata imágenes históricas del arte Cristiano, sino además, se contextualizan acorde al desarrollo conceptual del libro.            
 

Atelier Alexander Sutulov Editorial Projects

Taking into account the studio’s graphic work, editorial projects designed by the artist are a complement where additionally an iconographic research work is developed which speaks of for example, the richness of different historical periods in the world of art. That’s how in the book devoted to the cult of the Sacred Heart, author María Loreto Marín Estevez: “A Spring of Love & Mercy: The Heart of Christ”, is a compendium of more than 500 color pages where not only historical Christian Art iconography is being rescued, but also, they are being visually contextualize in accordance to the book’s conceptual overview.

Retratos Romanos / Cuartilla 16

Serie Retratos Romanos:

Serie Retratos Romanos es una exploración de diversos aspectos idiosincrásicos identificados por medio de un naturalismo particular a lo largo de la historia del arte Romano. Pese a la estilización de sus dignatarios que puede ser identificada y tipificada por sus diferentes dinastías tales como: Flavia, Antonino y Severo, el aspecto medular es la eminente presencia por medio o a través  de lo gestual; un modelo de civilidad que predetermina la historia occidental.  

Felicior Augusto, cuyo nombre significa: “Que seas más feliz que Augusto” se refiere a las dinastías romanas que establecieron las bases de un legado de gobernabilidad. En los llamados “cinco buenos emperadores” (96-180 D.C. / Nerva, Trajano, Adriano, Antonino Pío, y Marco Aurelio) se distingue una serie de atributos donde la prudencia y política moderadas se contrastan con sus sucesores más bien opresivos y tiránicos; su reinado fue el cenit en la prosperidad del imperio durante la Pax Romana.  

La síntesis posterior, (Felicior Augusto / Roman Portrait Series) ilustrada por una composición de formato cuadrado, forma un tejido complejo dominado por cualidades atmosféricas que insinúan un mundo paralelo del subconsciente colectivo. Indudablemente, la repercusión de rasgos sucesivos, en términos de carácter y perseverancia, constituye una fuente de inspiración basada en una memoria genética. El aspecto alegórico de las mencionadas composiciones crea una nueva dimensión universal y a la vez, un estado de meditación atemporal que trasciende hasta nuestra historia contemporánea.
Roman Portrait Series:

Roman Portrait Series:

Roman portrait series is an exploration of idiosyncratic aspects of portraiture based on the particular naturalism identified throughout Roman art history. In spite of dignitary stylization which can be identified and categorized by its different dynasties such as Flavians, Antonines, and Severans, the element of focus has been the eminent presence through gesture, a model of civility which predetermined occidental history.

Felicior Augusto meaning "may he be luckier than Augustus” is in reference to Roman dynasties which predicated the basis of Roman governance legacy. In the so called “Five Good Emperors” (96-180 A.D. / Nerva, Trajan, Hadrian, Antoninus Pius and Marcus Aurelius) a series of attributes can be distinguished where prudence and moderate policies contrasted to their more tyrannical and oppressive successors; their rule was at the height of the Empire's prosperity during the Pax Romana.

The latter synthesis (Felicior Augustus / Key Black Series) illustrated by square format compositions, originates in the form of a complex tapestry dominated by atmospheric qualities which insinuate a parallel world of the collective sub consciousness. Undoubtedly the repercussion of successive traits in terms of character and perseverance is an inspirational source of genetic memory. The allegorical aspect of these compositions creates a new dimension of universal and extemporal meditation which transcend to contemporary history.

Key Black I / Cuartilla 17

 

Serie Key Black I:

Serie Key Black I: La definición del paisaje como género es un hecho recurrente a lo largo de la historia del arte, donde la información topográfica o morfológica predetermina el entorno o ambiente de una idiosincrasia en particular. Todo esto, entendiendo aquel fenómeno como una paradoja propia de la existencia humana. En la misma medida, la serie Key Black es un vívido paisaje de morfologías específicas que tienen por origen dibujos aleatorios asociados a diversos arquetipos tales como la serie Tauromaquia y Retratos Romanos. El ejercicio visual de tejer elementos formales genera un rico tapiz de sonidos familiares que, de manera involuntaria, provoca una sensación específica. Este trabajo tozudamente se inclina en la dirección de confrontar y colisionar las distintas iconografías con el objetivo de tensionar el elemento orgánico como una cualidad intrínseca de un paisaje reconocible.  

Key Black Series I:

Definition of landscape is a recurrent event throughout art history where our notion of topographic and morphological information predetermines the setting and ambience of a particular idiosyncrasy. Understanding such phenomena as a paradox of human existence and very much so, of human nature. In the same measure, Key Black Series is a vivid landscape of specific morphologies which originate from aleatoric drawings associated to various archetypes such as Tauromaquia Series and Roman Portrait Series. The visual exercise of weaving formal elements, germinates a rich tapestry of familiar sounds which can unwillingly provoke a sensation. The work is purposely inclined in this direction of confronting and colliding iconography of different origin in order to stress organic value as an intrinsic quality of recognizable landscape.

 

Key Black II / Cuartilla 18

Serie Key Black II:

Serie Key Black II: La introducción del formato cuadrado se produce al momento de extender una segunda columna de los 16 paneles verticales primitivos. El incremento gradual de abstracción establece un nuevo campo pictórico donde nuestro “paisaje” original se sintetiza en variadas formas de ambientaciones. El enfoque ahora se vuelca más lírico, en términos de ritmo y movimiento obedeciendo de esta manera, a las leyes naturales de los cuatro elementos. Las fronteras son repentinamente yuxtapuestas por transiciones, donde por ejemplo, nuestra noción del aire se conecta con nuestra noción del agua y así sucesivamente. Tensión y distensión se convierten en un preámbulo de transformación, un instante previo a lo que está por materializarse.  
 

Key Black Series II:

The introduction of a square format is an extension of a second column of the original 16 vertical panels. The gradual increment of abstraction establishes a new pictorial field where our original “landscapes” become synthesized into various forms of ambience. The focus now has become more lyrical in the sense of rhythm and movement obeying to the natural laws of the four elements. Boundaries are suddenly juxtaposed by transitions, where our notion of air is a bridge to our notion of water and so forth. Tension and distension becomes a sense of transformation, an instant of what is to become.

 

Serie Huilquilemu / Cuartilla 19

Serie Huilquilemu:

Huilquilemu, término mapuche proveniente de las palabras wilki: zorzal y lemu: bosque. Es parte de una iconografía de la serie Chile Tierra de la Frontera. La temática general se centra en la morfología del paisaje chileno como un vehículo para entender desde un punto de vista orgánico el “exotismo” del nuevo mundo, así como fue planteado originalmente por el naturista Alexander von Humboldt y el pintor romántico Juan Mauricio Rugendas en el siglo XIX.  

Las imágenes exhibidas tienen referencia con árboles nativos chilenos como sería el caso del roble chileno, arrayán, araucaria y coihue que han sido intencionalmente entrelazados con el objetivo de insinuar siluetas que han marcado y caracterizado un paisaje hasta nuestros días. Pese a que cambios substanciales se han producido desde las primeras exploraciones del siglo XIX, un sentido de nostalgia desprende este emplazamiento único que identifica una remota y particular geografía.   

Sumado a la flora nativa, la composición general ha sido complementada con vistas notables que definen la singularidad de un paisaje volcánico exuberante representado por el volcán activo Villarrica y dramáticas cascadas de agua como el Salto del León ubicado en los bosques aledaños.  Desde un punto de vista formal, la encrucijada entre un grabado tradicional de tono continuo y una pintura digital con imágenes de segunda generación, crean un pináculo del lenguaje gráfico donde coincidentemente se produce una “panícula floral” caracterizada por un movimiento y línea que se regeneran continuamente.

Huilquilemu Series:

Huilquilemu, Mapuche word derived from wilki: thrush and lemu: forest; is part of Borderland Chile iconography where the general theme is centred in Chilean landscape morphology as a vehicle of understanding from an organic point of view, the “exoticism” of the new world which was originally described by German naturalist, Alexander von Humboldt and romantic painter Johann Moritz Rugendas in the 19th century.
 

The images in reference relate to southern Chile native trees such as the Chilean Oak, Arrayán, Araucaria and Coihue have been purposely intertwined in order to insinuate silhouette pattern landmarks which have been dominating until present time. Although substantial changes have taken place since 19th century exploration, a sense of nostalgia lingers to a unique emplacement which identifies a particular and remote geography.
In addition to native flora, the overall composition has been embellished by outstanding sights which define the singularity of an overt volcanic landscape represented by the “Villarrica” active volcano and dramatic waterfalls such as the “Lions falls” in the nearby rain forest.

From a formal point of view, the crossroads created between traditional continuous tone printmaking and second generation digital painting brings about the pinnacle of graphic language which coincidently in these specific compositions is represented by a panicle flower like clusters where movement and line is constantly regenerating.
 

Marcus Aurelius / Cuartilla 20

Aurelio Octavius / Serie Ecuestre:

Aurelio Octavius es un trabajo de imágenes en distintos estados basado en los murales de Marco Aurelio. El contrapunto producido por la doble corrida de paneles verticales, establece un diálogo de yuxtaposiciones recurrentes. Esta continua ambivalencia es la pauta de un lenguaje sintético que revela la génesis en la sufusión del color. La regeneración de imágenes fantasmas, trazadas por trama y línea, actúa como las fronteras de una modulación tonal y cromática. Pese a que los dibujos originales son una variable constante, el efecto de pasajes de luz transforma cada estado de imagen en una obra de temperamento particular. En este sentido, la transición entre cada estado de imagen  empieza a encerrar una tercera forma.

Aurelio Octavius / Equestrian Series:

Aurelius Octavius is a stage work based on Marcus Aurelius mural pieces where the counterbalance of double row vertical panels establishes a dialogue of recurrent juxtapositions. This continuous ambivalence is a threshold of synthetic language as a process of revealing the genesis of colour suffusion. The regeneration of ghost images traced down by pattern and line, act as border lines of tonal and chromatic modulation. Although the original drawings are a constant variable, the crossover effect of light transforms each stage work into a particular temperament. In this regard, the transition between every stage begins to enclose a third form.

Giacometti / Cuartilla 21

 

Serie Giacometti:

Estudios basados en el extenso trabajo que llevó a cabo el artista italo-suizo, Alberto Giacometti en función de indagar el otro “yo” por medio del retrato y figura humana. Los estudios con números romanos I – VI corresponden a una primera fase que enfatiza la relación entre la labor escultórica sobre el hombre urbano y una serie de retratos de la madre de Giacometti en su búsqueda insaciable sobre la persona implícita. En ello, observamos la complejidad del trazo o elemento lineal que establece distintos niveles de abstracción como abreviaciones de una existencia propia, independiente a los estereotipos asociados al género figurativo. La modulación tanto cromática como tonal a lo largo de los 6 estudios permite entrelazar diversos espacios pictóricos que revelan una simbiosis entre el retrato y la figura humana.

Giacometti Series:

Studies based on the extensive work of Italian Suisse artist Albert Giacometti, regarding the “other self” throughout the exercise of portraiture and human figure. Studies I – VI correspond to a first phase where the relationship between the urban men sculptures and his mother’s portraits have been emphasized in his insatiable search of the implicit being. Through it, we observe the complexity of linear composition establishing different levels of abstraction divorced from any figurative stereotype. Chromatic and tonal modulations throughout all six studies reveal pictorial fields of figure and portrait symbiosis.

 

Biografía / Cuartilla 22

Biografía:

Alexander Sutulov nació en Concepción, Chile, en 1962. Estudió en el Instituto de Arte Contemporáneo en Santiago, Chile, desde 1980 a 1984. Continuó sus estudios de arte en el College of Fine Arts, Universidad de Utah, Estados Unidos, desde 1985 hasta 1987 bajo el tutelaje de Angelo Caravaglia, como profesor guía, especializándose en dibujo, pintura, grabado y escultura.  

Entre 1988 y 1989, trabajó y colaboró en las cooperativas de artistas Art Space y Stonehenge, donde se especializó en la labor escultórica en cerámica, porcelana, madera y metal. Su experiencia con hornos de alta fundición le permitió aplicar distintas técnicas gráficas tanto en reducción como oxidación. Esta etapa también le permitió explorar el trabajo con "forma libre" principalmente con gres, aplicando técnicas tanto aditivas como substractivas en sus construcciones de arcilla.  

Posteriormente, fue invitado a trabajar como artista independiente en el Departamento de Grabado de la Universidad de Nuevo México, Estados Unidos desde 1990 hasta 1992, donde pudo experimentar y perfeccionar distintas técnicas de grabado tales como: intaglio, xilografía, serigrafía, litografía y monotipo.  

Continuando su trabajo de artista gráfico con la asistencia del Master Printer del Instituto Tamarind, Rodney Hamon se especializa en diferentes técnicas de foto-transferencia con planchas litográficas en el taller Black & Blue Press, Golden, Nuevo México. Paralelamente en colaboración con el artista gráfico Michael Gienger, forma el taller Atelier Sutulov-Gienger en Albuquerque, desde 1992 hasta 1994. Entre 1994 y 1996 divide su tiempo entre Estados Unidos y Chile donde introduce técnicas de arte digital en su trabajo gráfico junto con producir sus primeros murales digitales con el taller Folio D  en San Diego, California. La combinación de su trabajo original con tono continuo y posteriormente la introducción del soporte digital, le permite desarrollar ampliamente el uso de imagen de segunda generación y su implementación en proyectos de artes visuales de los más diversos.    

A partir de 1990 ha presentado numerosos trabajos en seleccionadas exposiciones grupales e individuales en: Argentina, Australia, Canadá, Chile, Corea, Eslovenia, Estados Unidos, Inglaterra, India, Italia, México, Japón, Sudáfrica, Taiwán, y República Dominicana.     

Desde su regreso a Chile en 1994, ha desarrollado diversos proyectos artísticos entre los que se destacan la escultura Energía Gasco,  emplazado en el edificio corporativo de Gasco en Santiago y el mural Historia de la Minería Chilena inaugurado en agosto de 2005 en el nuevo edificio de Ingeniería Metalúrgica de la Universidad de Concepción.   

Actualmente está desarrollando proyectos de artes visuales orientados a espacios institucionales y corporativos que comprenden el emplazamiento de obras públicas, tales como, esculturas, murales digitales, proyectos de diseño integral y arquitectura de interior. Entre ellos, se puede mencionar el proyecto mural “Spirits of the Mind / Santiago College One & Only” para el nuevo campus Los Trapenses del Colegio Santiago College.   

Como extensión y complemento de sus proyectos públicos y culturales, el taller del artista se especializa en la producción de pinturas digitales, ediciones limitadas, desarrollo e investigación iconográfica para proyectos editoriales, siendo la actual investigación sobre María Madre de Dios, su imagen y trascendencia en el Arte Cristiano.

Biography:

Alexander Sutulov was born in Concepcion, Chile in 1962. He attended the Institute of Contemporary Art in Santiago from 1980 to 1984 and continued his study of art at the College of Fine Arts, University of Utah from 1985 to 1987 under the tutelage and guidance of Angelo Caravaglia with emphasis in painting, drawing, printmaking and sculpture.

From 1988 to 1990 he worked and collaborated at artist co-op Art Space and Stonehenge where he researched hand built techniques with stoneware, porcelain, wood and metal. His experience with high fire kilns allowed him to apply graphic techniques so much as in reduction and oxidation burning process. This stage also allowed him to explore various “free form” constructions primarily in stoneware applying additive and subtractive techniques to his clay constructions.    

Later on he was invited to work as an independent artist at the University of New Mexico Printmaking Department from 1990 to 1992, where he was able to experiment with various printing techniques such as: intaglio, woodcut, linocut, relief work at general including viscosity printing, lithography, silkscreen, and monotype.

He continued his graphic work with the assistance of Tamarind’s Master Printer Rodney Hamon  where he specialized in the use of positive and negative photo transfer lithographic plates for hand printed limited editions at Black & Blue Press, Golden, New Mexico. In parallel with graphic artist Michael Gienger, Atelier Sutulov-Gienger was created from 1992 to 1994 in Albuquerque, New Mexico. From 1994 to 1996 he divides his work between United States and Chile where he introduces digital art techniques into his graphic work, producing his first digital murals at Folio-D in San Diego, California. The combination of his previous work with continuous tone printmaking together with digital substrate, created a rich field in the use of second generation images to be implemented in an ample array of visual art projects.

Since 1990 he showed several graphics work in selected Group and Solo Exhibitions in Argentina, Australia, Canada, Chile, China, Dominican Republic, England, India, Italy, Japan, Korea, Mexico, Slovenia, Taiwan and United States.

Since his return to Chile in 1994, the artist has been part of a variety of corporate and institutional art projects such as: Gasco Energy Sculpture (2000) commissioned by Gasco Gas Company in Santiago, and the History of Chilean Mining Mural (2005), 3 story high digital mural commissioned by Chilean Bureau of Mines and the University of Concepción.

The artist studio is currently devoted to a wide range of visual art projects regarding both institutional and corporate entities in the realm of public art encompassing sculpture, digital murals and design projects which integrate interior design with artistic organic solutions for various architectural project applications. The studio’s current project is a 100 ft long mural for Santiago College titled: “Spirits of the Mind / Santiago One & Only”.

As an extension and complement to his public and cultural projects, the artist studio specializes in the production of digital paintings for private and residential spaces. The above has also allowed the artist to develop various concepts of smaller format works in the form of fine art limited editions and editorial projects which seek the consensus of a wider audience. Currently he is conducting an iconographic research for an editorial project concerning Mary Mother of God, her image and transcendence in Christian Art.

Exhibiciones / Cuartilla 23

Colecciones / Publicaciones Internet / Cuartilla 24

Bibliografía / Cuartilla 25